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La descendencia filial parece gravitar en el cine de François Ozon como una de las líneas de reflexión prioritarias desde El tiempo que queda (Le temps qui reste, 2005). Mouse (excelente Isabelle Carré) es una mujer heroinómana y embarazada que ha perdido al amor de su vida, Louis (Melvin Poupaud), después de un definitivo viaje a Morfeo. La muerte como súbita desaparición, ya no produce en su cine esa tremenda laguna que aboca al vivo hacia los fantasmas de la razón, tal como sucedía en Sobre la arena (Sous le sable, 2000). El inexorable vértigo de la ausencia existirá como un tornasol en Mouse. Pero ese mar que choca violentamente sus olas, no es el vacío completo. Como dice Paul (Louis-Ronan Choisy), el hermano gay de Louis en su funeral, el que pierde su vida, otro la recuperará, palabras que retumbarán en su interior. Por ello, Mouse, repudiada por la familia de Louis (perteneciente a la alta burguesía francesa, a la que Ozon acostumbra a satirizar o poner en tela de juicio), decide exiliarse en el País Vasco francés, en una casa alejada del mundanal ruido y, como suele ser costumbre en Ozon, cerca de la playa. La visita inesperada de Paul pone en relación a los dos personajes y esos días que comparten juntos marcarán el destino de ambos.

(...) Pero desgraciadamente, y es algo que lamento, Airbender, el último guerrero no es una película que me sirva para enaltecer su figura. Más bien al contrario. Descubro atónito, errores de bulto ( el joven actor que encarna a Aang se desenvuelve bien realizando artes marciales pero todo al contrario cuando se le exige interpretar); precipitaciones en el ritmo (algunas escenas breves de acción parecen insertadas a posteriori, como si se hubiesen rodado después de pasar el film por esos nefastos screening tests). También encontraremos situaciones forzadas (valga como ejemplo la historia de amor entre la princesa Yue y Sokka) y para rematarlo, padeceremos un efectismo en la espectacularidad (la abusiva cámara ralentizada), que no es propia del realizador. Si nunca, desde el El sexto sentido me he encontrado ante tal coyuntura, ¿qué demonios le ha pasado en ésta, para que su película parezca realizada por un mediocre realizador que se apunta al carro de las películas épicas de corte infantil? ¿Jugamos al Juego de Hollywood? En el Hollywood que tan descarnadamente Robert Altman retrató, Airbender, el último guerrero es como Las crónicas de Narnia con esquema de videojuego de rol, al estilo de Final Fantasy X[1].

La última y excelente película de Sébastien Lifshitz es un viaje, cuyo destino final será Tudela. Para este trayecto, el director se sirve del diapasón, ya que a su film también se le podría aplicar la forma de U, la cual nos permite comprobar dos afinaciones diferentes que fluyen del mismo tronco. Una primera parte coral, de cuatro personajes en coche por el Sur de Francia. Jóvenes errantes que recogen de forma descontextualizada, el espíritu beatnik de la ruta 66. Frente a la luz radiante del verano y las texturas atmosféricas de la vida en ebullición, se alterna una onda sinuosa, opaca y profunda, con un carácter oneroso. El blanco sobre negro. Y es que en los espacios de mayor luz se esconde, bajo su seno, la oscuridad más siniestra.

Marco Berger, como Enrique Buchichio, también debuta en la dirección, tras su paso por el cortometraje. Precisamente, en su anterior cortometraje, El reloj (2008), ya exploraba algo que es desarrollado en profundidad en Plan B, mediante un tempo moroso, plagado de numerosos tiempos muertos, luces cromáticas en azul y verde, de clara inspiración afrancesada, en su dilatación de los tiempos. El costumbrismo es la clave, mediante continuos diálogos de personajes, donde se va fraguando un perverso juego maquiavélico al estilo de Las amistades peligrosas (Dangerous Liaisons, Stephen Frears, 1988). Aquí, el conde de Valmont es un cachondo y simpático personaje que decide recuperar a su ex novia, tratando de seducir a su actual pareja masculina

Suecia cuenta con uno de los estados de bienestar más amplios y es un país que suele caracterizarse como uno de los más progresistas en materia de igualdad social. En ese contexto, siempre se ha caracterizado como uno de los países más tolerantes en cuestiones de homosexualidad, permitiendo las bodas entre parejas del mismo sexo desde el 1 de mayo de 2009.

La película de Ella Lemhagen indaga en estos aspectos, siendo uno de las escasos films que atacan frontalmente el tema de la adopción por parejas del mismo sexo. El tono de comedia, bajo luminosos colores pastel, no evita que se permita dibujar un croquis de lo que yo llamo homofobia de baja intensidad. Como ya sucedía con Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, Tim Burton, 1990), de la que recoge una ambientación y modulación similar para retratar el barrio residencial donde pasa la acción, Patrik, Age 1.5 es un bombón envenenado, por la forma de arrojar sus dardos en equilibrada combinación con un trato nada adusto hacia sus seres. Precisamente, esa complacencia puede ocasionarle alguna objeción, pero se agradece la astucia para levantar el polvo bajo la alfombra de la presumible tolerancia. Para desarropar la hipocresía que siempre se esconde en todo aquello que es políticamente correcto, no hay nada mejor que forzar aparentes extremos y hacerlos convivir bajo un mismo entorno. Un matrimonio de dos gays maduros, Göran y Sven, se traslada a un idílico barrio de periferia burgués, conformando una aparente y afable comunidad bucólica.

Xavier Dolan solo tiene 21 años. Produce, dirige, escribe e interpreta una película, que como mínimo, no deja indiferente. No es un film redondo, o todo lo que a uno le hubiese deseado que fuese, pero tiene tal fuerza y energía que es imposible resistirse a sus virtudes, que las tiene y en abundancia. Hoy cuesta encontrarse un film que desprende tanta dosis de nervio y que no teme rozar los corchetes del equilibrio. Es consciente que bordea los extremos, en todos los sentidos, pero no se frena por ello. Comprende que puede descompensar el conjunto y sabe que abusa de la capacidad de resistencia del espectador, pero no se frena ni un ápice. La audacia se paga cara, pero en su caso, esa visión pretendidamente ambiciosa, de la que no faltan cultas referencias literarias, se salda con un resultado, cuanto menos, brillante. Aunque esas ansias por comerse el mundo y esa voluntad provocadora de epatar le juegue alguna mala pasada. El empuje de la juventud está en cada uno de los poros de este film que busca el riesgo y no parece amilanarse ante él. La tracción nos empuja a quedarnos impregnados por su decidida actitud iconoclasta y parece haber asumido que en el cine hay que jugar todas las cartas, aunque no todas las manos sean buenas.

En esta ocasión, Allen vuelve a Londres porque seguramente no sabía a dónde ir –aunque la película esté costeada en parte con dinero español-, y nos enreda en una comedia coral sin más lustre que el de sus intérpretes. El neoyorquino deja in medias res todas las historias de sus personajes excepto una, la de Gemma Jones, y esta la remata negando lo que había sucedido anteriormente y haciendo que ocurra justo lo contrario, un total desprecio por la progresión y la lógica narrativas. Hasta el alleniano más forofo reconocerá que si se atreviera a esto cualquier otro director, le correrían a gorrazos, pero nunca al “genio”. (Crítica completa en http://laislatuerta.org/conoceras-al-hombre-de-tus-suenos-de-woody-allen-te-reencontraras-con-el-cineasta-de-tu-modorra).

Hay al frente de la angustiosa peripecia dos actores de una credibilidad que epata: Brenda Blethyn y Sotigui Kouyate. Uno ha de fijarse sólo en sus interpretaciones para desechar el correoso tono crispado, la monotonía narrativa, la fea estética del realismo social y, sobre todo, el maniqueísmo simplista y algo infantiloide. Así que al final, London River deviene en una interpretación muy pobre y bobalicona de la que nos está cayendo literalmente, un placebo para el sufrimiento, paños calientes para las bombas. (Crítica completa en http://laislatuerta.org/london-river-de-rachid-bouchareb-panos-calientes-para-las-bombas).

El filme de Carnahan parece una de esas fotocopias que salen demasiado oscuras y en las que se distingue muy poco: una factura impecable, un guión con tufillo antisistema que hace todo lo que buenamente puede y Bradley Cooper (Phoenix), el único miembro del nuevo equipo que iguala y hasta supera a su equivalente ochenteno. Y es que este chico siempre estuvo destinado a empresas mayores. Pero quizá tampoco hay que darle tantas vueltas: he aquí dos horas de ruido y de furia para acallar neuronas y para fans de Jessica Biel, porque sí y porque es verano, que todavía llegarán cosas peores antes de que nos tomemos la última horchata. Y si no, al tiempo. (Crítica completa en http://laislatuerta.org/asistimos-al-preestreno-de-el-equipo-a).

Lo mejor que se puede decir de este mastodóntico engañabobos es que, efectivamente ha encandilado a la mayoría. Lo peor que se puede decir de él es que supone una burla sangrienta para Buñuel, Dalí, Cocteau, Man Ray y todos los que intentaron plasmar en fotogramas las pulsiones del subconsciente con las irracionales y feroces zarpas del surrealismo. Según esta lumbrera de Christopher Nolan, lo que tenemos en la parte más ingobernable de nuestra mente es puro Hollywood: peleas cuerpo a cuerpo, explosiones a tutiplén y decorados del cine catastrofista. Tal simpleza no podía menos que travestirse con una gran complejidad narrativa [...], y no hay nada peor que un filme que necesita explicar siempre lo que está ocurriendo, por qué es posible que ocurra y lo que tiene que ocurrir a continuación. Eso sí, con disparos y detonaciones de fondo, que hay que robarle público a "Los mercenarios". (Crítica completa en http://laislatuerta.org/origen-de-christopher-nolan-ni-en-suenos).

Con la intoxicación general de reaccionaria e intransigente apología de la familia 'made in USA', un título como "Canino" en principio se torna necesario, máxime teniendo en cuenta que las posibilidades metafóricas no se quedan en la consanguinidad. No obstante, se trata de un filme áspero y cruel, que en ocasiones se padece más de lo que se disfruta, a pesar de lo positivo de su ejemplo al contrario. Por si fuera poco, no existe progresión dramática hasta los minutos finales: hay un anquilosamiento en la descripción de los personajes, su entorno y sus extrañas circunstancias, anquilosamiento salvado en parte por una puesta en escena rigurosa y despojada de artificios. En suma, una experiencia para cinéfilos lo suficientemente peculiar como para querer someterse a ella, aunque puede que no más de una vez... (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/08/estreno-dvd-y-pelicula-de-archivo.html).

'Thriller' estrambótico donde el guión hace tantas piruetas como la propia Jolie. Al principio cae bien, cuando va de falso culpable con un McGuffin mínimo, pero después Noyce se entusiasma por recuperar la Guerra Fría y el asunto se vuelve un disparate. Para colmo, la acción se interrumpe bruscamente al final, o sea que habrá secuela. (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/08/estreno-dvd-y-pelicula-de-archivo.html).

La película, igual que su personaje principal, trata de aparentar mucho y jugársela al espectador, pero falla (la cinta, no Russell) al no decidirse nunca entre el 'biopic' ingenioso tipo "Atrápame si puedes", la historia de amor transgresora y la comedia con un Jim Carrey desproporcionado al frente tipo "Mentiroso compulsivo", comedia que en este caso no funciona porque da continuos volantazos y deja en evidencia que el protagonista de "El show de Truman" está fuera de registro. Así que la película deja una tremenda sensación de insatisfacción, de no haber conseguido nunca que nos impliquemos lo suficiente en las vicisitudes de los protagonistas y, lo que es más grave, de no saber por qué Ficarra y Requa se han empeñado en contarnos todo esto. (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/08/killers-phillip-morris-y-zombis-nazis.html).

Hasta el espectador más zote colegirá que con esta "Killers" llueve sobre mojado: ya van en este 2010 otras tres comedias más de acción con pareja protagonista chico-chica: "Exposados", "Noche loca" y "Noche y día". No es que "Killers" sea la mejor de ellas, pero tampoco la peor: tarda mucho en entrar en harina, cumple muy bien en su tercio final y lo estropea todo con un desenlace decepcionante. Y como el guión –es decir, a medio gas- funciona la pareja protagonista: probablemente, Kutcher nunca llegará a Laurence Olivier, pero le sobran simpatía y carisma; en cambio, la pánfila Heigl llega a irritar con tanto mohín ñoño. (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/08/killers-phillip-morris-y-zombis-nazis.html).

Desde que don Krzysztof nos dejase allá por el 96, jamás se rodó nada tan kieslowskiano en ética ni en estética. De hecho, "Nothing personal" habría sido una perfecta conclusión a la trilogía de los colores que hizo célebre al polaco. Claro, que la Antoniak, igual de pesimista que Kieslowski, no tiene su trasfondo católico, y además se le ve echar el resto con su protagonista, la misteriosa, contradictoria y a veces brutal Anne, uno de los personajes femeninos más imborrables que ha dado el cine europeo en un porrón de años, a la que hizo carne la no menos imborrable Lotte Verbeek, actriz superdotada que a veces recuerda a una joven Isabelle Huppert. (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/08/nothing-personal-lindsay-lohan-y-celia.html).

"Knight and day" es como si a "Charada" la atropellase "Misión imposible II". Esos momentos de comedia con modales y perfecta química Cruise-Cameron diseminados por el arranque de la aventura, como unos restos de un cine del que casi ya no hay, se ven pronto aplastados por el peso de la evidencia del 'blockbuster': al público al que va dirigido el filme se la suda que los Sanfermines se celebren en Sevilla o en Dubai, así que mejor dejarse de sutilezas y adjuntar con las palomitas carnaza con músculo y nervio. Y una pareja con tanta química en un filme de acción y aventuras no la catábamos desde "Seis días y siete noches". (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/07/noche-y-dia-de-james-mangold-como-el.html).

El problema, como ya han señalado casi todos, radica en que "La herencia…" no cuenta nada, y, cuando se pone a hacerlo, son un montón de paparruchas y disparates pretendidamente lovecraftianos, pero se pasa en un suspiro. Casi toda ella consiste en un 'flashback' decimonónico donde la inverosimilitud y el anacronismo soplan en la nuca de cada secuencia, hasta llegar a la sesión de espiritismo, que parece más bien de traca. Pero ahí están un diseño de producción impecable; unas interpretaciones que oscilan entre lo magnífico (Naschy y Poncela) y lo horrendo (Jaenada) pasando por lo no disonante (Liotti o Abascal); y una forma de contar tan ágil que le tiene a uno entretenido en todo momento, que, al fin y al cabo, es de lo que se trata. (Crítica completa en http://dosparalatres.blogspot.com/2010/07/la-herencia-valdemar-ring-pornoterror-e.html).

"Historias de San Valentín" multiplica por diez la fórmula de vidas cruzadas que ya tomó la sobrevaloradísima "Love Actually", con el resultado de contar con una superestrella casi por plano y de no dejar ni un minuto de respiro. Tanto exceso de actividad por parte del interminable reparto, del montador Bruce Green y hasta del espectador provoca la paradoja de que nos dejamos lo esencial por el camino: el romanticismo (ñoño), que sólo aflora al final, y no tanto como debiera. "Historias de San Valentín" parece que no trate sobre el amor, sino sobre el estrés que provoca una de esas fiestas que enriquece a los comerciantes y a los demás nos obliga a hacer lo mismo que todo el mundo. Un filme raro sin pretenderlo que entretiene a pesar de decir otra cosa de la que intenta.

a mi me gusto mucho la pelicula ,me gusta como trabaja natasha lionne y clea duvall